Welcome to The Pianist’s Corner

Masters of the Keyboard is an educational project for pianists and music lovers.

Discover the context in which each pianist was trained, who his teachers were, and if it took place in a school, a music conservatory or a private school?

Therefore, step by step, starting with the pianist then the teachers of his teachers and so on, you go back up what we call his filiation.

The objective of the Masters of the Keyboard project is twofold. First, to take up the challenge of visualizing these filiations – a cartographic work – and this was the aim of the large map produced in Spring 2015 where you can visualize the filiations of more than 1 000 musicians.
But also to easily be able to zoom in, i.e. to individually check out each pianist, and that is where a numerical application is essential.

Get the application for iPad in iTunes Store :

Buy / Acheter get the application in iTunes Store.


Get the poster – size : 120cm x 160cm.

Get it to show in your class of piano, as it gives pedagogical backgrounds which help to understand the filiation from which pianists belong to.

Buy / Acheter get the poster.

Conversation with Bruno Saint-Germain : Radio Portrait de famille by Philippe Cassard on France Musique November 7th 9h-11h.
About Masters of the keyboard, this poster which visualize the piano filiation from baroque area to middle XX century.
Podcast :

If you have questions :
send a mail to contact@thepianistscorner.com

Read the interview of Bruno Saint-Germain who explains how and why he did this project.

Interview in english

Interview en français

Go to La compagnie de Lazare to see these interviews and much more…

Brief description :
This poster helps you to follow the filiation of the Masters of the Keyboard from early 16th century to the middle of 20th century (pianists born before 1950 – this choice has been made for clarity purpose).
What I mean by “Filiation” is the fact – social fact – of saying “he is a pupil of”, and this is how pianists are presented today.
This information sheds light on the context in which the artist worked as a student.
It also highlight the important role of the teachers, who are sometimes forgotten by the history,in the transmission of technique and repertoire.

Masters Of Keyboard-partial

Interview (in english)

Bruno Saint-Germain did it again!

In the late 80s, he already co-founded the Dante production company with an ambitious goal: to allow fans around the world to discover or rediscover the best of “the golden age of piano”, thus contributing to a work of archaeology and spadework alongside the best music producers.

Indeed, Dante produced some records significant in history of piano, as the first complete Godowsky Studies after Chopin but also countless reissues of “historical” (in every sense of the word) recordings.

Then came, unfortunately, the crisis in the record industry, which sent Bruno to his second passion: IT. Moreover, it is the combination of this second passion with his first one (the piano, still today…) that resulted in this somewhat crazy project: establish the first map of the great “filiations” in piano history.

After several years of relentless work, the result is the following: a poster at the same time impressive, gossamer, dense and yet already essential for anyone with a love for the keyboard.

In the era of rampant globalization and failing an impossible geopolitical taste, here it is, in preview, a genealogy of the technical and artistic “great tradition”.

A magnificent mapping of influence.


You’ve just completed a colossal work…

Yes, you can see it that way… I had already considered this project twenty years ago.  At the time, I had started gathering a lot of documentation. Luckily, there is an incredible number of books on piano, biographies and musicology researches of all kind. Strangely enough however, a systematic approach such as the one that interested me, i.e. an almost comprehensive approach, had never been attempted or even contemplated. Although with conventional techniques, it was almost unfeasible…

Fortunately, thanks to technology, what was impossible yesterday is possible today.

Three years ago, at my brother’s insistence, I started the job and developed specific tools to manipulate and model the considerable amount of data that I had collected over the years.

The poster that you have in your hands is the result of over fifty years of passion and three years of work…

When I discovered this, I thought of a sort of map of the sky on which we try to show all the stars. As for the sky moreover, the result is almost…unreadable!

(Laughs) I love the image and there is something to it: the sky of music and the stars of piano… I have to admit that it is not easy to understand. However, it is not that dramatic. It seems to me that the important thing is to lose oneself, to travel among names, times, evocations which do not fail to emerge with every line, every date, every image…

I have to add that this poster is just the first brick of a more ambitious project: I am currently working at a website and a dedicated app that will become, I hope, “the” reference as regard to piano and pianists.

Meanwhile, it is true that I savor this first step. For the first time, it is possible to view, at a single glance, all the great pianistic filiations since the 16th century (top part of the chart) through baroque, classical, romantic, until the ” golden age “of piano and the first half of the 21st century (bottom part of the graph).

What do you mean exactly by “filiation”?

Filiation, for me, is just a kind of “social fact” as sociologists would say. To clarify, it is when you speak of someone and you say: “he is the student of…”

You will notice that it is often the words used by journalists to introduce pianists, but it is also true for pianists among themselves: they first identify themselves through this relationship. And their “school” of course…

What’s the difference between “school” and “filiation”?

A school is something different. Similarly as there are schools of wisdom in spirituality, or schools of thought in philosophy, it is commonly accepted that there are “schools” of instruments or musicians.

So there are “piano schools” as there are violin or guitar schools.

A “school”, if you like, is primarily the result of the geographical concentration of artists who were able to regroup and organize to transmit and become leaders their time.

Spontaneously, I am thinking for example of the Russian school and the emergence of the Tchaikovsky conservatory in Moscow or the Rimsky-Korsakov one in Saint Petersburg. In the 1860s, the arrival of the Rubinstein brothers, who left to be trained in Berlin before returning to settle in Russia, contributed to the emergence of a new generation of “musicians-pianists-composers”. And the presence alongside them of great piano pedagogues as Theodor Leschetisky or Alexander Ziloti probably allowed if not the outbreak, at least the development and prestige of talents as huge and diverse as Scriabin, Rachmaninov or Prokofiev.

Beyond this geographical concentration, when we speak of “school,” we must not forget that many students had with their teacher a very deep relationship, sometimes daily and that often lasted a lifetime, even when the student had in turn become a master.

This is where we get closer to the concept of “filiation” that approximates the beautiful concept of “guild”. Indeed, if all these great teachers first transmitted the knowledge, the love of the repertoire and the approaches of its interpretation, many went further by recommending to their students to listen to singers, readings which did not confine to the piano, in order for them to develop an intellectual, emotional and artistic wealth, with roots in all arts.

That is why it is so important to have this specific vision, to see the bigger picture, both historical and geographical, but at the same time, so important not to stop there and go beyond all the clichés that are usually given about these famous piano “schools”, like boxes with labels, such clichés according to which Germans would foremost be profound, Russians foremost virtuosos, French foremost sensitive…

…And it is not true?

It is in fact much more complex. Belonging to a school first and foremost means which tradition and geographical memory you are carrying. This is a first level of understanding, and it is symbolized on my chart, with a choice of colors: there are as many colors as schools.

But most importantly in my opinion, is a second level of understanding, which was also my first approach to the work when I compiled all the data, i.e. the “filiation”.

Again, let us not forget that within a given school, there were multiple “movements”, if you will, often crystallized around extraordinary personalities before branching out in time and in space. It is this level of understanding, which is, to me, essential, and I symbolized it with the multiple links that connect each other. These are the “filiations”.

Here I spontaneously think of Liszt, the greatest pedagogue of his time and who trained, from Weimar, several generations of pianists such as Hans von Bülow, who became Principal Conductor of the Berlin Philharmonic, to name only one. But also of Theodor Leschetisky in Vienna and St. Petersburg who, at the invitation of Anton Rubinstein, was appointed head of the piano department of the new conservatory.

I also think of other of Liszt’s pupils, such as Istvan Thoman at the Royal Academy of Budapest, who will be so influential for the Hungarian piano, or Alexander Siloti, Rachmaninov’s cousin, who will teach in Russia and then the United States, at the Juilliard School in New York.

I obviously think of the incredible prestige of Busoni from Berlin, probably the greatest “post-Liszt” figure, who was the teacher of Sibelius, Varese and many others. I also think of Josef Hofmann who created the Curtis Institute in Philadelphia.

And here, in France, of the importance of Alfred Cortot and the international prestige, until today, of the Paris “Ecole Normale” of music.

To emphasize even more on differences between “schools” and “filiation”, I therefore stress the need, in the history of music in general and of piano in particular, not to limit the understanding to geography, or even nationality: for example, we can’t say that Glenn Gould, who is solitary among the solitaries and unclassifiable among the unclassifiables, represents any “Canadian school”! He is simply a pianist and Canadian. Another example, Claudio Arrau, no more represents a Chilean school. He is indeed a pianist and Chilean but uprooted very young, he received a German education, guided by Martin Krause, one of the last pupils of Liszt (which gives him, in my opinion, a real legitimacy in his interpretation of Bach, Beethoven or Schumann, for example).

Bottom line, the truth of what I most wanted to materialize through this poster is the simple and very natural link, which exists between these personalities. We could call it a story of men. And women of course, although they are much fewer of them at that time (here also, things have changed…). You will notice that there are however a few on this poster, starting with Anna Yesipova, who was admired by Liszt and Tchaikovsky (no less!). She was, among others, Prokofiev’s piano teacher. So you see, in the history of piano, there is not just Clara Schumann…

You have rather worked on performers? On composers? On teachers?

It was one of the major difficulties of this work. History, alas, has often only remembered these most visible performers or composers. It has often forgotten those who have had the misfortune of being “only” teachers. Even though if often it is the latter who have contributed to transmit and modernize the art of keyboard…

On my chart, each musician is positioned vertically approximately on his/her date of birth, which allows viewing his/her contemporaries at a simple horizontal glance. Lines that go from a musician to another visualize the direct filiation in the color of the nationality of his/her teacher.

Some musicians, however, are not pianists and are represented here only to materialize a link (Salieri for example, connects Liszt to Gassmann or to Padre Martini), but as a general rule, we can still classify musicians in three important musical families.

The first are the “pure pianists”: they are concert performers, they do not (or very little) compose, and they do not (or very little) teach, but they were trained.

The second are the “pure pedagogues”: they do not (or very little) give recitals. They were not necessarily the best pianists but they have sometimes influenced generations of pianists.

The third, probably the most fascinating, are the “pianists-pedagogues-composers” or at least “pianists-composers.”

Which ones?

Chopin, of course. And perhaps even more Liszt and just after him, Busoni. Their prestige, their influence was unimaginable. We have absolutely no idea today of their prestige throughout Europe and beyond. They embodied the best in composition, the best in instrument and in teaching, but also a complete overarching vision and life. They were idealized and unavoidable.

In contrast, many “pure” composers and some “pure” pianists have unjustly been forgotten, or are still ignored…

This is not new. History, even ancient, is full of musicians that we rediscover long after their death.

It is Liszt for example, who released Schubert from oblivion by transcribing his “lieder” for piano.

Closer to home, I spontaneously think of Nicolaï Medtner, for which I have a real fascination. To be honest, I am even an absolute fan (laughs). You just have to listen to his recordings to be convinced. Medtner, incidentally, was among those few composers such as Scriabin, who mostly only played their own compositions (quite the opposite of Schumann, for example, forced to give up his career as a virtuoso…). For a long time, alas, Medtner was forgotten in the programs of major contemporary concert performers. It is only recently that we were able to discover a recorded version of his complete twelve sonatas by Marc-André Hamelin. A masterpiece! I must say that the sonata was so Medtner’s favorite form that, at the conservatory, he was nicknamed “M. Sonata”!

Among pianists, thanks to the research and recordings gathered by my friend Allan Evans (an American musicologist, publisher and writer), I recently discovered Ignaz Tiegerman, a pupil of Ignaz Friedman, himself a pupil of Leschetisky. He was said to be the only rival Horowitz was concerned about!

Another outrageous case: I also always wondered why the Korean pianist Kun-Woo Paik, even though he is known and admired around the world, is still partly ignored in France, where however he chose to live. For specialists, he is however one of the greatest “institutions” still alive (alive and kicking, even if he is getting close to 70…)! He was trained, among others, at the Juilliard School in New York with Rosina Lhevinne then in London with Ilona Kabos. He also worked with Wilhelm Kempff in Italy. And he won, among others, the famous Busoni prize. Suffice to say that he is closely linked to this famous “golden age of piano”.

Is technique taught the same way as before?

Yes and no. It is true that the evolution of teaching, as you can imagine, is closely linked to the evolution of the instrument itself, and hence the gradual adaptation of the repertoire to the new possibilities of the instrument.

The violin, for example, we can say that the instrument itself has changed very little since its invention.

The modern piano, by contrast, is a distant cousin of the pianoforte. A priori, the pianoforte technique might seem relatively distant from that of the modern piano. But in fact, it is not that much. And indeed, soon enough in history, let’s say from Mozart, modern technique was able to stabilize and then settle on solid foundations, and grow from there.

Already at the time of Liszt, in the second half of the 19th century, we can consider that the concert piano, as an instrument, was technically at its peak. It has hardly changed since then.

May I remind you that, in the history of music, there are a few key compositions that have explored, each in its own way, the evolution, over time, of the instrument’s huge possibilities [and their evolution].

There is of course the Well-Tempered Clavier by Johann Sebastian Bach, with its incredible use of the good “temperament” that is to say the chord system that divides the octave into twelve equal chromatic intervals.

Later, Chopin or Liszt’s Etudes that represent one of the heights of the romantic piano of the 19th century. But also the great compositions of Debussy and Ravel, which embody a typically French impressionism.

I have also in mind the way Prokofiev exploited the rhythmic or percussive possibility of the instrument. Or closer to us, the instrument’s polyphonic capacities made excessive by Sorabji, again one of the greatest piano composers, also unjustly forgotten while he has probably contributed to expand its spectrum of expression to levels never reached before him.

One must understand that over time all these compositions were added to the repertoire that tomorrow’s pianist will potentially have to embrace. Therefore the teaching will have to take this into account and help the young pianist to find his own way by proposing the study of different styles but also different techniques.

Today it seems natural that a student presents a program that includes a Baroque composition (Scarlatti or Bach), a romantic piece (Chopin or Schumann) and a “modern” composition (Debussy or Ravel).

Naturally, the more we go back in the past the more limited that choice was!

Concretely, what did these great teachers of the past teach their students?

First they passed on and taught pure technique.

A teacher worthy of being one would indeed, very concretely, offer “solutions” to his students: what touch for this chord? How was Chopin playing this mazurka? Did he follow to the letter the published score? Which edition of the composition should be trusted?

To answer these questions, there is little alternative but to listen to the testimony of those who knew the composer in question. It was often his pupils but not only.

Let’s take an example. Everyone knows that Liszt dedicated most of his life to the piano. Thus, he developed new solutions to new technical issues. Meanwhile, he was one of the greatest pedagogues of his time and students thronged from around the world. To work with him, of course, but also because they knew that, through him, they would have access to “first-hand” information, on Beethoven’s interpretations for example. Everyone knew in fact that Liszt was a pupil of Czerny, himself a pupil of Beethoven. Beethoven who, incidentally, hated teaching…

Even today, does the teacher play this role with young pianists?

Of course! Today is still the same: young pianists travel around the world in search of filiation. At the same time, things have completely changed. For the first time in history, they also have access to complete testimonies of all those who came before them. Whether through all the films that can be found on the Internet or through the audio recordings that have been collected over time.

However, in my opinion, a real teacher remains for the young musician a guide, an invaluable support, to sort the wheat from the chaff. He represents the first link to the repertoire, and as such, he still plays an essential role in the transmission of music.

So, to answer your question, it is likely that the filiation previously played a much larger role. We travelled then much less.

Nowadays however, musicians go to many master classes around the world. The number of teachers and links with the legacy of the past is much more important than before.

Is there any subjectivity in your choices?

In the historical choices, not really. Important musicians and pianists weren’t in reality that numerous, and it is safe to assume that this is a fairly complete panorama.

However, with the globalization and the current inflation in the number of pianists, it is true that what was already very dense in the past could become more overladen today…

For clarity and due to lack of space and hindsight, I limited myself to pianists born before 1950.

At the same time, it was important for me to highlight 15 or so pianists born after 1950 and who are already remarkable by their personality and influence.

Here comes, of course, subjectivity. But at least all young pianists disappointed for not (yet) being included in this diagram, will find here their teachers, and therefore their filiation!

You have selected Lang Lang…

Yes, because you are allowed not to love him, but he is now such a media phenomenon, almost a freak, that I had at least to ask myself the question at length. It was fun to see that all the friends and experts I consulted had the same opinion as me: they felt it was unfair that he should appear here, and at the same time, they thought it was most unfair that he shouldn’t, if only out of respect of a certain approach, a certain practice of music that comes today from Asia and of which we will not be able to make fun forever! Lang Lang is present, even though it’s a bit because there was no other option. Time will make its selection along with me…

Asia “weighs” more and more on teaching piano!

Of course. Quite honestly, it is a phenomenon that escapes us a bit and that will escape us more and more. I will give you just one figure: there are now officially in China, some 60 million pianists! The equivalent of France’s population.

But it’s not just China. Today, gradually, with the opening of borders, artists becoming more and more marketable, the uniqueness of the different schools has become blunted. All this has melted in a kind of common taste, a kind of globalization “from below” in my opinion… It is likely that the teaching of piano is also becoming standardized at the same time as it democratizes itself like ever before.


Does this mean that all pianists tend to play the same way?

No, it’s the opposite. Everywhere we can observe the rise of the individual, his tastes, and his aspirations. And I think it’s because of, or thanks to (it depends) the Internet. Everyone is now free to post his/her performances on YouTube. This is where we often discover new talents. Valentina Lisitsa’s example is symptomatic: there is no doubt that her success comes from a series of videos that she posted herself and where she plays, often beautifully, compositions that had not often been recorded, like Rachmaninov’s first sonata, which is, I think, a major composition in piano literature. This is far from being anecdotal. On the contrary: these videos are viewed today by millions of web users! It is a real phenomenon. And it is therefore natural that Lisitsa is now working with major companies. This is one of the greatest strengths of Internet, precisely to offer today’s public a huge selection without the filter of these majors.

However, with or without Internet, I think we are above all looking for strong, authentic, original and unusual personalities.

This is what makes us still listen today with fascination to Glenn Gould, but also to literally melt for Josef Hofmann’s poetry and inventiveness (I still can not get enough of his Chopin concertos…) or to Vladimir de Pachmann’s tricks.

Does the word “piano school” still make sense today?

I will leave the person who will create, like me, this same poster in a century, answer this question! Today, let’s just try something. When you type “piano school” in a web search engine, you only get an indigestible list of… learning centers! Physical places to learn how to play the piano. So far from what I am interested in…

Does it make you sad?

It is in anyway a good reason to remember that it has not always been the case. And this is the main message of this poster.

(Interview by Aurore Saint-Amour)

Interview en français

Bruno Saint-Germain est un récidiviste.
À la fin des années 80, il avait déjà cofondé le label Dante autour d’un objectif ambitieux : faire découvrir ou redécouvrir aux amateurs du monde entier le meilleur de “ l’âge d’or du piano ” et contribuer ainsi à un double travail d’archéologie et de défrichage aux côtés des meilleurs labels.
De fait, on doit à Dante quelques disques marquants de l©histoire du piano comme la première intégrale des études de Godowsky d’après Chopin, mais aussi d©innombrables rééditions d©enregistrements “ historiques ” à tous les sens du terme.
La crise du disque, hélas, est passée par là, renvoyant Bruno à sa seconde passion : l’informatique. C’est d’ailleurs en la combinant avec la première (le piano, aujourd’hui encore…) que lui est venue l’idée de ce projet un peu fou : établir la première carte des grandes “ filiations ” de l’histoire du piano.
Après plusieurs années de travail acharné, le résultat est là : un poster à la fois impressionnant, arachnéen, touffu et pourtant déjà indispensable à tout amoureux du clavier qui se respecte.
à l©heure de la mondialisation galopante et à défaut d©une impossible géopolitique du goût, voici donc, en avant-première, une généalogie de la “ grande tradition ” technique et artistique.
Une magistrale cartographie de l’influence.oici le texte

Vous sortez d’un travail colossal…
Oui, on peut le voir comme ça… J’avais déjà envisagé ce projet il y a une vingtaine d’années. à l’époque, j’avais commencé à beaucoup me documenter. Par chance, on trouve un nombre incroyable de livres sur le piano, des biographies et des études musicologiques en tout genre. Très étrangement pourtant, une approche systématique du type de celle qui m’intéressait, c’est-à-dire une approche quasi exhaustive, n’avait jamais été tentée, ni même envisagée. Il faut dire qu’avec les techniques classiques, c’était à peu près infaisable…
Heureusement, grâce à l’informatique, ce qui n’était pas possible hier l’est aujourd’hui.
Il y a trois ans, sur l’insistance de mon frère, j’ai donc commencé à reprendre ce travail et à développer des outils spécifiques pour manipuler et modéliser la masse considérable de données que j’avais rassemblées au fil des années.
Le poster que vous tenez entre vos mains est le résultat de plus de cinquante ans de passion et de trois ans de travail…

En découvrant cette image, j’ai pensé à une sorte de carte du ciel sur laquelle on tenterait d’indiquer toutes les étoiles. Comme pour le ciel d’ailleurs, le résultat est presque… illisible !
(Rires) J’aime bien l’image et c’est vrai qu’il y a de ça : le ciel de la musique et les étoiles du piano… Je vous concède volontiers qu’il n’est pas facile de s’y retrouver. Au fond, ce n’est pas très grave. Il me semble que l’important, au contraire, est de s’y perdre, d’y voyager entre les noms, les époques, les évocations qui ne manquent pas de surgir à chaque ligne, à chaque date, à chaque image…
Je dois vous préciser que ce poster n’est que la première brique d’un projet plus ambitieux : je travaille en ce moment à un site Internet et à une application dédiée qui deviendront, je l’espère, « la » référence en matière de piano et de pianistes.
En attendant, c’est vrai que je savoure cette première étape. Pour la première fois, il est possible de visualiser d’un seul coup d’œil toutes les grandes filiations pianistiques depuis le XVIe siècle (haut du graphique) en passant par le baroque, le classique, le romantique, jusqu’à « l’âge d’or » du piano et la première moitié du XXIe siècle (base du graphique).

Qu’entendez-vous exactement par « filiation » ?
Une filiation, pour moi, c’est tout simplement une sorte de « fait social », comme diraient les sociologues, qui nous fait préciser en parlant de quelqu’un : « Il est élève de… »
Vous noterez que c’est souvent la formule qu’emploient les journalistes pour introduire les pianistes, mais c’est aussi le cas pour les pianistes entre eux : ils s’identifient d’abord par cette filiation. Et par leur « école » bien sûr…

Quelle différence entre « école » et « filiation » ?
Une école, c’est autre chose. De même qu’il y a, en spiritualité, des écoles de sagesse ou en philosophie, des écoles de pensée, il est communément admis qu’il y a des « écoles » d’instruments ou d’instrumentistes.
Il y a donc des « écoles de piano » comme il y a des écoles de violon ou de guitare.
Une « école », si vous voulez, c’est d’abord le résultat de la concentration géographique d’artistes qui ont su se regrouper et s’organiser pour transmettre et animer leur époque.
Spontanément, je pense par exemple à l’école russe et à l’émergence des conservatoires Tchaïkovsky, à Moscou, ou Rimski-Korsakov, à Saint-Pétersbourg. Dans les années 1860, l’arrivée des frères Rubinstein, partis se former à Berlin avant de revenir se fixer en Russie, va ainsi contribuer à l’émergence d’une nouvelle génération de « musiciens-pianistes-compositeurs ». Et la présence à leurs côtés de grands pédagogues du piano comme Teodor Leszetycki ou Alexandre Ziloti a probablement permis sinon l’éclosion, du moins le développement et le rayonnement de talents aussi immenses et aussi variés que Scriabine, Rachmaninov ou Prokofiev.
Au-delà de ce regroupement géographique, lorsqu’on parle d’« école », il ne faut pas oublier que beaucoup d’élèves entretenaient avec leur professeur une relation très profonde, parfois quotidienne et qui durait souvent toute une vie, même lorsque l’élève était devenu maître à son tour.
C’est là où nous touchons plutôt à la notion de « filiation » qui se rapproche un peu de la très belle notion de « compagnonnage ». Si tous ces grands professeurs, en effet, transmettaient d’abord la connaissance, l’amour du répertoire et les approches de son interprétation, beaucoup allaient encore plus loin en recommandant à leurs élèves l’écoute de chanteurs, des lectures qui ne se limitaient pas au piano afin de développer chez eux une richesse intellectuelle, affective et artistique qui sache se nourrir de tous les arts.
Voilà pourquoi il est si important d’avoir cet éclairage, cette vue générale, à la fois historique et géographique, mais si important, en même temps, de ne pas s’en tenir là et d’aller au-delà de tous les clichés que l’on nous sert habituellement sur ces fameuses « écoles » de piano, comme autant de boîtes avec des étiquettes, autant de clichés selon lesquels les Allemands seraient avant tout profonds, les Russes avant tout virtuoses, les Français avant tout sensibles…

… Et c’est faux ?
C’est surtout beaucoup plus complexe. L’appartenance à une école dit d’abord et avant tout de quelle tradition et de quelle mémoire géographique vous êtes porteur. C’est un premier niveau de lecture, et il est symbolisé, sur mon graphique, par un choix de couleurs : il y a autant de couleurs que d’écoles.
Mais le plus important, à mes yeux, c’est un second niveau de lecture, qui était d’ailleurs mon premier niveau de travail lorsque j’ai compilé toutes les données, c’est-à-dire celui de la « filiation ».
Encore une fois, il ne faut jamais oublier qu’au sein d’une même école, on comptait de multiples « courants », si vous voulez, très souvent cristallisés autour de personnalités hors du commun avant de se ramifier dans le temps et dans l’espace. C’est ce niveau de lecture-là qui, pour moi, est essentiel, et que j’ai symbolisé par les liens multiples qui relient les uns aux autres. Ce sont les « filiations ».
Ici, je pense spontanément à Liszt, le plus grand pédagogue de son époque et qui a formé, depuis Weimar, plusieurs générations de pianistes comme Hans von Bülow, futur chef de la Philharmonie de Berlin, pour ne citer que lui. Mais aussi à Teodor Leszetycki à Vienne puis à Saint-Petersbourg qui, sur l’invitation d’Anton Rubinstein, a été nommé à la tête du département de piano du tout nouveau conservatoire.
Je pense aussi à d’autres élèves de Liszt, comme par exemple Istvan Thoman à l’Académie royale de Budapest, qui aura tant d’influence sur le piano hongrois, ou encore à Alexandre Ziloti, cousin de Rachmaninov, qui enseignera en Russie puis aux États-Unis, à la Juilliard School de New York.
Je pense évidemment à l’incroyable rayonnement de Busoni depuis Berlin, probablement la plus grande figure de l’« après-Liszt » et qui fut le professeur de Sibelius, de Varèse et de tant d’autres. Je pense aussi à Josef Hofmann qui est à l’origine du Curtis Institute de Philadelphie.
Et chez nous, en France, à l’importance d’Alfred Cortot et au rayonnement internationnal, encore aujourd’hui, de l’École normale de musique de Paris.
Pour insister encore un peu sur la différence entre « écoles » et « filiation », je souligne donc la nécessité de ne pas se contenter, dans l’histoire de la musique en général et du piano en particulier, d’une lecture purement géographique, ou même « nationale » : difficile par exemple de dire que Glenn Gould, solitaire parmi les solitaires et inclassable parmi les inclassables, représente la moindre « école canadienne » ! Il est simplement pianiste et canadien. Claudio Arrau, autre exemple, n’incarne pas plus la moindre école chilienne. Certes, il est pianiste et chilien, mais, déraciné très jeune, il a bénéficié d’une éducation germanique, guidée par Martin Krause, l’un des derniers élèves de Liszt (ce qui lui donnera, à mes yeux, une vraie légitimité dans son interprétation de Bach, Beethoven ou de Schumann, par exemple.)
Vraiment, il me semble que la vérité, l’essentiel de ce que j’ai voulu matérialiser à travers ce poster, c’est le lien tout simple, tout naturel, qui relie des personnalités entre elles. Une histoire d’hommes si vous voulez. Et de femmes, bien entendu, même si elles sont beaucoup moins nombreuses à cette époque (ici encore, les choses ont bien changé…). Vous remarquerez qu’il y en a quand même quelques-unes sur ce poster, à commencer par Anna Yesipova, qui était admirée par Liszt et Tchaïkovski (excusez du peu !) et qui était, entre autres, professeur de piano de Prokofiev. Donc vous voyez, dans l’histoire du piano, il n’y a pas que Clara Schumann…

Vous avez plutôt travaillé plutôt sur les interprètes ? Sur les compositeurs ? Sur les enseignants ?
C’était l’une des grandes difficultés de l’exercice. L’Histoire, hélas, n’a souvent retenu que ces interprètes ou ces compositeurs les plus visibles. Elle a souvent oublié ceux qui ont eu la malchance de n’être « que » professeurs. Peu importe si, bien souvent, ce sont eux qui ont contribué à transmettre et moderniser l’art du clavier…
Sur mon graphique, chaque musicien est positionné à la verticale, approximativement sur sa date de naissance, ce qui permet de visualiser ses contemporains d’un simple regard horizontal. Les lignes qui partent d’un musicien vers un autre visualisent, elles, le lien de filiation directe dans la couleur de la nationalité de son professeur.
Certains musiciens, du reste, ne sont pas pianistes et ne sont représentés ici que pour matérialiser un lien (Salieri, par exemple, relie Liszt à Gassmann ou à Padre Martini) mais d’une façon générale, on peut tout de même distinguer trois grandes familles de musiciens.
La première est celle des « pianistes purs » : ils sont concertistes et ne composent pas ou peu, de même ils n’enseignent pas ou peu, mais ils ont été formés.
La deuxième est celle des « pédagogues purs » : ils ne donnent pas ou peu de récitals, ils n’étaient pas forcément les meilleurs pianistes mais ils ont parfois influencé des générations de pianistes.
La troisième, probablement la plus fascinante, est celle des « pianistes-pédagogues-compositeurs » ou tout du moins des « pianistes-compositeurs ».
Lesquels ?
Chopin, bien sûr. Et peut-être plus encore Liszt et, juste après lui, Busoni. Leur rayonnement, leur influence étaient inimaginables. On n’a absolument aucune idée, aujourd’hui, de leur rayonnement sur toute l’Europe et au-delà. Ils incarnaient à la fois le meilleur de la composition, le meilleur de l’instrument et de l’enseignement, mais aussi une hauteur de vue et de vie totale. Ils étaient adulés et incontournables.

à l’opposé, beaucoup de compositeurs « purs » et certains pianistes « purs » sont injustement tombés dans l’oubli, ou encore méconnus…
Ce n’est pas nouveau. L’histoire, même ancienne, est pleine de musiciens que l’on redécouvre longtemps après leur mort.
C’est Liszt, par exemple, qui a sorti Schubert de l’oubli en transcrivant ses lieder pour piano.
Plus près de nous, je pense spontanément à Nicolaï Medtner, pour lequel j’ai une vraie fascination. à dire vrai, je suis même un fan absolu (rires). Il suffit d’ailleurs d’écouter ses enregistrements pour s’en convaincre. Medtner, d’ailleurs, faisait partie de ces quelques compositeurs, comme Scriabine, qui ne jouaient essentiellement que leurs propres œuvres (à l’opposé d’un Schumann, par exemple, obligé de renoncer à la carrière de virtuose…) Longtemps, hélas, Medtner a été oublié dans les programmes des grands concertistes contemporains. Il aura fallu attendre ces dernières années pour découvrir en enregistrement l’intégrale de ses douze sonates par Marc-André Hamelin. Un monument. Il faut dire que la sonate était tellement la forme favorite de Medtner qu’au conservatoire, on le surnommait « Monsieur Sonate » !
Chez les pianistes, grâce aux recherches et enregistrements retrouvés par mon ami Allan Evans, un musicologue, éditeur et écrivain américain, j’ai découvert récemment Ignaz Tiegerman, un élève d’Ignaz Friedman, lui-même élève de Leszetycki. C’était paraît-il le seul rival que craignait Horowitz !
Autre cas flagrant : je me suis aussi toujours demandé pourquoi le pianiste coréen Kun-Woo Paik, qui est pourtant connu et admiré dans le monde entier, reste encore trop ignoré en France, où il a pourtant choisi de vivre. Pour les spécialistes, c’est pourtant l’un des derniers grands « monuments » vivants (et bien vivant, même s’il s’approche des 70 ans…) ! Il a été formé, entre autres, à la Juilliard School de New York, avec Rosina Lhévinne, puis à Londres avec Ilona Kabos. Il a aussi travaillé avec Wilhelm Kempff en Italie. Et il a gagné, entre autres, le fameux prix Busoni. Autant dire qu’il entretient un lien de tout premier plan avec ce fameux « âge d’or du piano ».

Enseigne-t-on la technique comme autrefois ?
Oui et non. Il est vrai que l’évolution de l’enseignement, vous l’imaginez bien, est très liée à l’évolution de l’instrument lui-même, et par conséquent à l’adaptation progressive du répertoire aux possibilités nouvelles de l’instrument.
Si l’on prend le violon, par exemple, on peut dire que l’instrument lui-même a très peu évolué depuis son invention.
Le piano moderne, en revanche, est un cousin lointain du pianoforte. A priori, la technique du pianoforte pourrait sembler relativement éloignée de celle du piano moderne. Mais au fond, elle ne l’est pas tant que ça. Et de fait, assez vite dans l’histoire, disons à partir de Mozart, la technique moderne a donc pu se stabiliser, puis se sédimenter sur des bases solides, et se développer à partir de là.
Déjà à l’époque de Liszt, dans la seconde moitié du XIXe siècle, on peut considérer que le piano de concert, en tant qu’instrument, était techniquement à son apogée. Il n’a quasiment pas évolué depuis.
Je vous rappelle qu’il y a, dans l’histoire de la musique, quelques œuvres phares qui explorent, chacune à sa manière, l’évolution, au fil du temps, de ces immenses possibilités de l’instrument et de leur évolution.
Il y a le Clavier bien tempéré de Jean-Sébastien Bach, bien entendu, avec son incroyable exploitation du bon « tempérament », c’est-à-dire du système d’accord qui divise l’octave en douze intervalles chromatiques égaux.
Plus tard, les Études de Chopin ou celles de Liszt qui représentent un des sommets du piano romantique du XIXe siècle. Mais aussi les grandes œuvres de Debussy et de Ravel qui incarnent un impressionnisme typiquement français.
Je pense aussi à l’exploitation par Prokofiev du côté rythmique ou percussif de l’instrument ou, plus près de nous, de ses capacités polyphoniques démesurées par Sorabji, là encore l’un des plus grands compositeurs pour le piano, injustement oublié lui aussi alors qu’il a probablement contribué à étendre le spectre d’expression à des degrés jamais atteints avant lui.
Il faut bien comprendre qu’au fil du temps toutes ces œuvres se sont ajoutées au répertoire que devra potentiellement embrasser le pianiste de demain. L’enseignement devra donc en tenir compte et aider le jeune pianiste à trouver sa voie en lui proposant l’étude des différents styles mais aussi des différentes techniques.
Aujourd’hui, cela nous semble naturel qu’un étudiant présente un programme qui comprend en même temps une œuvre baroque (Scarlatti ou Bach), une pièce romantique (Chopin ou Schumann) et une composition « moderne » (Debussy ou Ravel).
Naturellement, plus on remonte dans le passé et plus ce choix était restreint !

Très concrètement, qu’enseignaient ces grands professeurs d’autrefois à leurs élèves ?
D’abord, ils transmettaient et ils enseignaient la technique pure.
Un professeur digne de ce nom devait en effet, très concrètement, proposer des « solutions » à ses élèves : quel doigté pour cet accord ? Comment Chopin jouait-il cette mazurka ? Suivait-il à la lettre la partition publiée ? à quelle édition de l’œuvre fallait-il se fier ?
Pour répondre à toutes ces questions, il n’y a guère d’autre solution que de se replonger dans le témoignage de celles et ceux qui ont connu le compositeur en question. C’étaient souvent ses élèves mais pas seulement.
Prenons un exemple. Liszt, tout le monde le sait, a consacré l’essentiel de sa vie au piano. Il a donc développé, au passage, des solutions nouvelles à des problèmes techniques nouveaux. Parallèlement, il a été l’un des plus grands pédagogues de son temps et les élèves se pressaient du monde entier. Pour travailler avec lui, bien entendu, mais aussi parce qu’ils savaient qu’ils auraient accès, à travers lui, à des informations de « première main » (c’est le cas de le dire), sur les interprétations de Beethoven, par exemple. Tous savaient en effet que Liszt était élève de Czerny, lui-même élève de Beethoven. Lequel Beethoven, au passage, détestait enseigner…

Aujourd’hui encore, le professeur joue-t-il ce rôle auprès des jeunes pianistes ?
Bien sûr ! Aujourd’hui c’est toujours la même chose : les jeunes pianistes traversent la planète en quête de filiation. En même temps, les choses ont complètement changé. Ils ont aussi accès, pour la première fois de l’histoire, à la somme des témoignages de tous ceux qui les ont précédés. Que ce soit grâce à tous les films que l’on trouve sur Internet ou à l’accumulation, au fil du temps, des enregistrements audio.
Pour le jeune musicien, un vrai professeur reste pourtant un guide, une aide incomparable, me semble-t-il, pour séparer le bon grain de l’ivraie. Il représente le premier lien avec le répertoire, et à ce titre, il joue toujours un rôle essentiel dans la transmission de la musique.
Donc pour répondre à votre question, il est probable que la filiation jouait autrefois un rôle bien plus important. On voyageait tout de même beaucoup moins.
De nos jours au contraire, les musiciens suivent de nombreuses masterclasses aux quatre coins de la planète. Le nombre de professeurs et de liens avec l’héritage du passé est bien plus important qu’auparavant.

Y a-t-il une part de subjectivité dans vos choix ?
Dans les choix les plus anciens, pas vraiment. Les musiciens et les pianistes importants, au fond, n’étaient pas si nombreux, et l’on peut dire sans trop se tromper que ce panorama est assez complet.
Avec l’explosion de la mondialisation et l’inflation actuelle du nombre de pianistes, en revanche, il est vrai que ce qui était déjà très touffu autrefois risquait de devenir encore plus touffu aujourd’hui…
Par souci de clarté, par manque de place et de recul, je me suis limité aux pianistes nés avant 1950.
En même temps, il m’a semblé important de mettre en avant une quinzaine de pianistes nés après 1950 et qui se distinguent déjà par leur personnalité et leur rayonnement.
C’est là, bien entendu, que le choix devient subjectif. Mais au moins tous les jeunes pianistes déçus de ne pas (encore) figurer sur ce schéma y retrouveront-ils leurs professeurs, et donc leur filiation !

Vous avez retenu Lang Lang…
Oui, parce qu’on peut ne pas l’aimer, mais il est aujourd’hui un tel phénomène médiatique, presque un phénomène de foire, que je me suis au moins longuement posé la question. C’était amusant de voir que tous les amis et tous les spécialistes que j’ai consultés pensaient la même chose que moi : autant ils estimaient qu’il était injuste qu’il y figure, autant ils pensaient qu’il était plus injuste qu’il n’y figure pas, ne serait-ce que par respect d’une certaine approche, d’une certaine pratique de la musique qui nous vient aujourd’hui d’Asie et qu’on ne pourra pas moquer éternellement ! Lang Lang est donc présent, même si c’est un peu « par défaut ». Le temps fera son tri avec moi…

L’Asie « pèse » de plus en plus sur l’enseignement du piano !
Bien entendu. Très honnêtement, c’est un phénomène qui nous échappe un peu et qui nous échappera de plus en plus. Je vous donne un seul chiffre : il y a officiellement aujourd’hui, en Chine, quelque 60 millions de pianistes ! L’équivalent de la population de la France.
Mais il n’y a pas que la Chine. Aujourd’hui, peu à peu, avec l’ouverture des frontières, la marchandisation croissante des artistes, la singularité des différentes écoles s’est émoussée. Tout cela s’est fondu dans une sorte de goût commun, une sorte de mondialisation « par le bas » à mon avis… Il est vraisemblable que l’enseignement du piano, lui aussi, est en train de se standardiser en même temps qu’il se démocratise comme jamais.
Cela veut dire que tous les pianistes ont tendance à jouer pareil ?
Non, au contraire. Un peu partout il y a une montée en puissance de l’individu, de ses goûts, de ses aspirations. Et à mon sens c’est à cause, ou grâce (c’est selon) à Internet. Chacun peut aujourd’hui « poster » librement ses performances sur Youtube. C’est là qu’on découvre souvent les nouveaux talents. L’exemple de Valentina Lisitsa est symptomatique : elle doit très clairement son succès à une série de vidéos qu’elle a postées elle-même et dans lesquelles elle interprétait, souvent magnifiquement, des œuvres peu enregistrées comme la première sonate de Rachmaninov, qui à mon sens est une œuvre majeure de la littérature pour piano. C’est loin d’être anecdotique. Au contraire : ces vidéos sont vues aujourd’hui par des millions d’internautes ! C’est un véritable phénomène. Et c’est donc tout naturellement, aujourd’hui, que Lisitsa enregistre aussi pour les majors. Et c’est une des grandes forces d’Internet ; justement, que de nous proposer aujourd’hui un choix énorme sans le filtre des grands labels.
Internet ou pas, en revanche, je pense que l’on recherche avant tout des personnalités fortes, authentiques, originales et hors du commun.
C’est ce qui nous fait écouter encore aujourd’hui Glenn Gould avec fascination, mais aussi « craquer » littéralement devant la poésie et l’inventivité de Josef Hofmann (je ne me lasse toujours pas de ses concertos de Chopin…) ou les facéties de Vladimir de Pachmann.

Le mot « école de piano » a-t-il encore un sens aujourd’hui ?
Je laisserai répondre celui qui, comme moi, s’attaquera à faire le même poster dans un siècle ! Aujourd’hui, il suffit de faire une petite expérience. Lorsqu’on tape « école de piano » sur un moteur de recherche, on n’obtient plus qu’une liste indigeste… de centres d’enseignement ! De lieux physiques d’apprentissage du piano. Tellement loin de ce qui m’intéresse…

Triste ?
C’est une bonne raison, en tout cas, de se souvenir qu’il n’en a pas toujours été ainsi. Et c’est le message principal de ce poster.

(propos recueillis par Aurore de Saint-Amour)

Poster : size H=120/L=160cm — Price 65,00 Euros.

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